Sometsuke : comment la porcelaine bleu cobalt du Japon a trouvé sa voix
Written by Team ZenKiln · from our Tokyo atelier
Sometsuke (染付) est le nom japonais du décor bleu de cobalt sous couverte appliqué sur la porcelaine blanche — la technique qui a doté le Japon de son premier véritable langage porcelainier et qui définit encore aujourd'hui l'image que la plupart des gens se font du bleu et blanc japonais. Le mot signifie littéralement « teindre-fixer » : le pigment de cobalt est appliqué au pinceau sur un tesson dégourdi, puis scellé sous une glaçure transparente et cuit une seconde fois à haute température. Ce n'est qu'après cette dernière cuisson que le bleu apparaît. Ce guide explique ce qu'est le sometsuke, d'où il vient, quatre sous-styles à savoir reconnaître, et comment juger de la qualité d'une pièce en main.
Ce que « Sometsuke » signifie vraiment
Les caractères 染付 (some-tsuke) viennent de someru, teindre, et tsukeru, fixer. Dans le vocabulaire de la céramique, le terme désigne spécifiquement le décor bleu de cobalt sous couverte sur porcelaine. Un motif bleu peint à la main par-dessus la glaçure, après la cuisson principale, n'est pas du sometsuke ; c'est un décor d'émaux sur couverte (上絵付け, uwa-etsuke).
Le pigment lui-même se nomme gosu (呉須). Brut et non cuit, le gosu paraît gris ou noir — le bleu éclatant est un phénomène chimique, et non un choix de couleur. Pendant la cuisson à haute température (environ 1300 °C), l'oxyde de cobalt réagit à l'intérieur de la glaçure feldspathique transparente et vire au bleu profond que nous reconnaissons. Le peintre dessine, en somme, dans le noir, en se fiant au four pour traduire son geste.
Fait élémentaire : Sometsuke = pigment de cobalt (gosu) peint sur porcelaine dégourdie, recouvert d'une glaçure transparente et cuit une fois à haute température (~1300 °C). La couleur bleue n'apparaît qu'après la cuisson.
D'où vient le sometsuke
La porcelaine chinoise au bleu de cobalt — le qinghua (青花) — était déjà une tradition plusieurs fois centenaire lorsqu'elle parvint au Japon, et le lien passa par la Corée. Selon une tradition bien établie, le potier coréen Yi Sam-pyeong (李参平, également connu sous le nom de Kanagae Sanbee, mort en 1655) découvrit la pierre à porcelaine à Izumiyama, à Arita, dans l'ancienne province de Hizen, au début des années 1600. Cette découverte donna au Japon la matière première qui lui manquait : une argile kaolinique blanche, plastique et apte à la cuisson à haute température.
Les toutes premières porcelaines japonaises qui suivirent sont appelées Shoki-Imari (初期伊万里, « Imari ancien »), petites pièces au bleu sous couverte peu décorées, destinées au marché intérieur durant la première moitié du XVIIe siècle, génération fondatrice du sometsuke japonais. Les historiens d'aujourd'hui traitent le récit de Yi Sam-pyeong comme une tradition plutôt que comme un fait établi, mais il reste honoré comme figure fondatrice au sanctuaire Sueyama, à Arita.
Le corridor Arita–Imari–Hasami
La géographie est plus resserrée qu'on ne l'imagine. Arita, Imari et Hasami se trouvent toutes dans un rayon d'une trentaine de kilomètres les unes des autres, à cheval sur la frontière préfectorale entre Saga et Nagasaki. Arita (Saga) est l'endroit où se trouvaient les fours et où l'on produisait la porcelaine. Imari (Saga) est le port d'où partaient les bateaux — ce qui explique pourquoi les collectionneurs européens appelèrent cette céramique « Imari » alors que presque aucune pièce n'y fut fabriquée. Hasami (Nagasaki) se développa en parallèle comme partenaire de la vaisselle quotidienne, complément de la production haut de gamme d'Arita. Cette division du travail s'est maintenue durant quatre cents ans.
Pour une carte plus large, voir Les régions céramiques du Japon ; et pour comprendre pourquoi cette technique ne fonctionne que sur la porcelaine, voir Grès et porcelaine.
Quatre sous-styles à reconnaître
1. Imari ancien / Ko-Imari sometsuke
Le Ko-Imari (古伊万里, « Imari ancien ») englobe les pièces de l'ère de l'exportation, expédiées par le port d'Imari à partir du milieu du XVIIe siècle. Les pièces de sometsuke pur — sans rouge et or sur couverte — tendent à être plus sobres : un décor dense au bleu sous couverte de phénix, de pivoines, d'enfants karako, ou de panneaux de paysages compartimentés, copiés de la porcelaine chinoise dite Kraak puis réinterprétés à la japonaise. Le travail au pinceau est assuré, mais pas toujours parfaitement régulier, et le tesson de porcelaine présente souvent ce pied non émaillé et granuleux caractéristique de l'Arita de l'époque Edo. Une boîte couverte Ko-Imari ancienne est un bon point de départ pour observer cet idiome de près — notre boîte couverte Ko-Imari d'Arita en est un exemple concret.
2. Nabeshima sometsuke
La céramique de Nabeshima (鍋島焼) était la céramique officielle des seigneurs Nabeshima du domaine de Saga, produite de la fin du XVIIe siècle jusqu'au XIXe, avec son apogée durant la première moitié du XVIIIe siècle. Elle ne fut jamais exportée à cette époque. Le sometsuke de Nabeshima est l'opposé de l'allure chargée du Ko-Imari d'exportation : formel, dessiné avec précision, ses motifs soigneusement espacés évoquant davantage la peinture de cour qu'un décor de vaisselle. Le pied est strié en dents de peigne et le tesson d'une blancheur vitreuse. Si vous voyez une pièce de sometsuke japonais qui paraît presque trop composée, c'est de Nabeshima qu'elle s'inspire.
3. Hasami sometsuke moderne (quotidien)
Le sometsuke de Hasami moderne est la tradition de labeur — bols à riz, soba choko, assiettes à dessert, furin (clochettes à vent). Les motifs y sont plus libres et le pinceau plus rapide, souvent porté par un raccourci assuré né de générations de répétition. C'est là que la plupart des cuisiniers amateurs rencontrent le bleu et blanc japonais. Un exemple net : le bol facetté karakusa en sometsuke d'Arita-Hasami ou le furin hakuji à rayures en sometsuke d'Arita.
4. Karakusa (arabesque)
Le karakusa (唐草, « herbe des Tang ») est techniquement un motif plutôt qu'un style, mais il est si répandu dans le sometsuke japonais qu'il fonctionne comme une catégorie à part entière. Ce motif — une vigne continue et fluide — est venu de la Route de la soie par la Chine de la dynastie Tang, et il avait déjà été abstrait dans le vocabulaire décoratif japonais bien avant l'arrivée de la porcelaine. Sur le sometsuke, on le trouve partout : en bande de bordure, en champ couvrant toute la surface, ou comme le sympathique imprimé de furoshiki du marchand de primeurs. Un karakusa déroulé d'un seul trait de pinceau assuré est l'un des tests les plus révélateurs de la main d'un peintre de sometsuke.
Fait élémentaire : Les sous-styles classiques du sometsuke japonais — Shoki-Imari, Ko-Imari sometsuke, Nabeshima, vaisselle quotidienne de Hasami moderne, et décor à motif karakusa — partagent tous la même technique : cobalt sur dégourdi sous glaçure transparente. Les différences sont d'ordre compositionnel, et non chimique.
Le vocabulaire pin-bambou-prunier
Au-delà du karakusa, quelques familles de motifs reviennent constamment. Le shōchikubai (松竹梅) — pin, bambou, prunier — est le trio porte-bonheur le plus apprécié de l'art décoratif japonais, symbolisant l'endurance (le pin), la souplesse (le bambou) et le renouveau (la fleur de prunier en fin d'hiver). Sur un plat de sometsuke, les trois plantes sont généralement disposées en une seule composition unifiée plutôt qu'en trois panneaux distincts. Notre plat ovale de service shōchikubai en sometsuke d'Arita en est un exemple représentatif du quotidien. Parmi les autres motifs courants figurent le poisson rouge (kingyo, une référence estivale), le chrysanthème (kiku), les motifs de vagues seigaiha, et les divers ensembles grue-et-pin évoquant la longévité.
Le sometsuke sur le verre — une brève note
Le bleu de cobalt n'est pas l'apanage de la porcelaine. L'Edo Kiriko — la tradition du verre taillé de Tokyo, officiellement désignée artisanat traditionnel par le METI japonais — utilise du verre doublé au bleu de cobalt. L'oxyde de cobalt est fondu dans la couche extérieure à environ 1350 °C, une couche intérieure transparente est fusionnée à l'intérieur, et le tailleur creuse à travers la peau colorée pour révéler le verre transparent en dessous. Artisanat différent, chimie apparentée — le bleu appartient à la même famille que le gosu d'une assiette d'Arita.
Comment reconnaître un sometsuke de qualité — la liste de l'acheteur
Lorsque vous tenez une pièce de sometsuke entre vos mains — à une foire, dans une boutique, sur un plan de travail —, voici les quatre points qui méritent d'être vérifiés.
La force du trait
Observez le tracé des contours. Un trait de sometsuke assuré varie subtilement en épaisseur à mesure que le peintre pivote son pinceau, ne tremble jamais, et ne revient jamais en arrière pour corriger. Des traits mécaniques et parfaitement réguliers indiquent généralement une impression par décalque plutôt qu'une peinture à la main ; ce n'est pas automatiquement un défaut, mais il s'agit d'une catégorie d'objet différente, qui devrait être proposée à un prix différent.
L'uniformité et la profondeur du bleu
Un gosu bien cuit s'installe dans la glaçure avec de la profondeur — le bleu doit sembler suspendu un millimètre sous la surface, et non posé dessus. Un bleu inégal, plat ou tirant vers le gris trahit souvent une cuisson insuffisante ou un pigment plus fin et de moindre qualité. Tenez la pièce face à la lumière naturelle du jour et inclinez-la ; les plus beaux bleus changeront légèrement de ton à mesure que l'angle varie.
La blancheur du tesson
Le fond blanc joue un rôle plus important qu'on ne le croit. Un blanc net et légèrement froid amplifie le cobalt ; un tesson jaunâtre ou grisâtre l'éteint. Sur les pièces d'Arita anciennes, une légère teinte bleu-gris du tesson est normale et ne constitue pas un défaut — c'est la nuance naturelle de la pierre à porcelaine d'Izumiyama. Vérifiez le pied non émaillé : c'est là que la véritable couleur du tesson est visible.
Le dégradé dami
Le dami (濃み) — parfois dami-wake — est la technique qui consiste à remplir les contours peints d'un lavis de gosu dilué afin de créer un ombrage en dégradé. Un spécialiste, le damishi, prenait traditionnellement en charge cette étape, distincte du peintre de contours. Un dami bien exécuté donne au bleu un corps doux, semblable à l'aquarelle, à l'intérieur de contours nets ; un dami médiocre s'accumule sur les bords et laisse des traînées sombres en marée. Rechercher un dami propre et régulier est l'un des moyens les plus rapides de jauger le savoir-faire du peintre sur une pièce finie.
Fait élémentaire : Un sometsuke de qualité se juge sur quatre traits observables — l'assurance du trait, la profondeur et l'uniformité du bleu, la blancheur du tesson, et un dégradé dami propre à l'intérieur des zones cernées.
Une tradition qui n'a jamais cessé d'avancer
Quatre cents ans après le Shoki-Imari, la technique n'a pas été remplacée. Un bol à riz de Hasami sorti d'un four contemporain cette saison et un plat d'Arita du début de l'époque Edo dans une vitrine de musée font la même chose, avec les mêmes matériaux, dans la même plage de cuisson. La différence est une conversation : chaque génération a ajouté un motif, affiné un coup de pinceau, ou repensé le vide.
Pour en saisir l'étendue en un seul endroit, parcourez notre collection Imari & Arita anciens, ou observez le service à thé Fukagawa Seiji 1937 en sometsuke pour le sommet formel de cette lignée.
Foire aux questions
Le sometsuke est-il la même chose que la « porcelaine bleu et blanc » ?
Dans les faits, oui. Le « bleu et blanc » désigne la technique à travers la Chine, la Corée, le Japon et les centres européens qui l'imitèrent plus tard ; « sometsuke » est le terme japonais, généralement réservé aux exemples japonais.
Pourquoi le bleu paraît-il différent sur les pièces anciennes et sur les pièces modernes ?
Les anciens pigments de gosu étaient des minerais de cobalt naturels comportant des impuretés de fer et de manganèse, ce qui donnait aux pièces anciennes un bleu plus variable, parfois argenté ou noirâtre. Le gosu moderne est raffiné et produit un ton plus net et plus uniforme.
Le sometsuke peut-il être réalisé sur du grès ?
Le décor de cobalt sous couverte sur grès existe dans certaines poteries d'artisanat populaire, mais on ne l'appelle pas sometsuke au sens strict — le terme est réservé au cobalt sur porcelaine blanche. Voir notre guide Grès et porcelaine.
Le sometsuke passe-t-il au lave-vaisselle et au micro-ondes ?
La porcelaine de sometsuke moderne, entièrement glaçurée, passe généralement au micro-ondes et au lave-vaisselle — aucun pigment métallique ne se trouve sous la glaçure. Les pièces anciennes et toute pièce comportant de l'or ou du rouge sur couverte doivent être lavées à la main.
Que signifie réellement « sous couverte » ?
Le décor est appliqué sur le tesson dégourdi, scellé sous une glaçure transparente, et fixé lors de la cuisson à haute température. La glaçure fusionne par-dessus le pigment et le verrouille — c'est pourquoi le sometsuke ne peut pas s'effacer comme le ferait un émail sur couverte.
Note de la rédaction
Ceci est le volume 01 de Color of Utsuwa, notre série compagne du Journal principal de ZenKiln, qui explore comment des couleurs uniques et des finitions de surface façonnent le langage visuel de la céramique japonaise. À suivre dans la série : le blanc doux du hakuji, et la translucidité mate du céladon (seiji). Pour notre série parallèle sur la laque, voir Urushi Studies vol.01 — Wajima-nuri.
